田育成Sculpture Design Workroom

模型制作：手涂上色法

田育成Sculpture Design Workroom — Fri, 16 May 2008 16:01:13 +0800

模型制作：手涂上色法

本次手涂上色法主讲越智信善，先介绍一下将要用到的工具

兽毛笔

传统写字画画所用的笔。
有白色（玉毛），茶赫色（茶毛）等不同的类型。
笔毛纤细，柔韧性强，颜料吸收度和涂色时颜料的流动性比较好。
适合郡士珐琅系涂料（Lacquer）和田宫珐琅系涂料（Enamel）。

尼龙笔

用极细的尼龙纤维做成的笔。
弹性强，耐摩擦，对颜料的吸收力较差。
比较适合水性涂料。平时保管放置时，注意要横放。

白色的兽毛笔，是模型上色中经常使用的几款兽毛笔

左右依次为极细面相笔，面相笔，极细平笔，细号平笔，中号平笔。

在几款平笔右边的是模型上色中做很细小部位涂色的高级面相笔。

干扫专用的笔

干扫专用笔可以自己制作，把用旧的笔前端较软的部分用刀片切掉。

尼龙笔的笔头是半透明的茶色，很容易识别。笔头使用后较易洗净

首先来学习平笔上色，平笔多用来涂一些比较大的面积。

在使用前，根据要上色部位的大小，决定使用笔的大小。

平笔的握笔姿势，以握笔部位为中心，横向涂色，重心一般放高点。

让笔尖充分吸收颜料。如果不充分的话，会导致涂色时的不均匀。

涂色时，随手的横向移动而移动,并保持下笔的力量,使画色块均匀。

在上色前，必须把涂料用溶剂做一定的稀释。

稀释时，根据涂料干枯情况配合不同量的稀释液，通常2-3倍左右。

让笔尖自然充分的吸收颜料，并在调色皿的边缘刮去多余的颜料。

涂色时，用笔尖接触要上色的部位，保持一种匀速的横向移动。

在涂大面积时，选用较大笔尖的平笔，

通过下笔的轻重控制笔尖颜料的流出量。

接着来学习面相笔上色，面相笔通过笔尖的毛分为不同类型。

白色的通常用于勾画模型的眼部，

和平笔一样，先要调配好颜料。但面相笔笔尖不必蘸上过多的颜料。

通过手的轻重力量控制所画的粗细。与写字是一个道理。

尽量避免画出范围，一般笔尖移动方向为边缘向中心。

换色再画前，务必将原来的颜色洗净，再蘸其他颜色。

要让模型色彩更具有真实感，就需要用到干扫，这是中级制作者必修的一门功课。

干扫通常使用田宫珐琅系涂料（Enamel），干扫的笔尖通常较短，所含颜料也较少。

在干扫前，先完成部件的整体上色。

使用高浓度的田宫珐琅系涂料Enamel，选择那些放久的比较好。

在笔尖蘸上涂料，一般涂料浓度要比笔涂更高，不要蘸太多。

接着在抹布或卫生纸上来回将颜料抹掉。

等到颜料半干，几乎成粉末状时，就是可以进行干扫的状态了。

这时笔尖还保留着少量的半干颜料，横向对部件进行干扫，

下笔要轻，笔身与部件表面垂直，重复机械性的来回扫动。

等部件的边缘有了干扫效果，第一步就结束了。

一旦不小心画出边线，等颜料干透，用笔刀轻轻刮下出界的颜料。

面相笔的使用好坏程度取决于细致与耐心。

头部的上色完成，共用了40分钟。

接着用狼毫笔勾线。

这就是用平笔和面相笔配合使用所涂画的脚部部件。

茶赫色的狼毫笔，由于笔尖富有弹性，多用于勾描一些纤细的线条。

面相笔的握笔姿势，与写字基本一样。

与平笔不同，面相笔为纵向移动，握笔的重心也很低。

再选用更浅一点的颜色，做第二次的干扫。这里是在原来的深灰色中加入淡灰。

第二次干扫要比第一次还要轻，而且干扫部位集中在突出的受光部位。

第二次干扫结束。

再用更浅的颜料。这里是直接选用淡灰色。

第三次的干扫范围还要小，并注意整个干扫时间不宜过长，

避免与先前的整体涂色混合,否则会反而没有了干扫效果。

第三次干扫结束，整个模型的立体感增强了，细节也被强化了。

最后使用白色。

只在一些高光部位稍稍做干扫，不要过大，过多会使整体的通调不和谐。

作业结束后，不要忘了清洗笔，这样才会增强笔的使用寿命。

模型组合打磨完毕后－正式上色前，有一道非常重要的衔接工序，就是喷涂水补土，也叫上底漆，喷涂水补土可以检查打磨及填补情况，对接缝处和缺陷作最后的修补，也可以增强涂料的附着力。水补土有模型用水补土和树脂用水补土，左图所示两种都是模型用水补土：罐装的1000号白喷不地(水补土)，摇一下后可以直接对着零件喷涂，尽管方便耗量也相对比较大，瓶装水补土，以1：4的比例与稀释液调配，然后用喷枪喷涂，瓶装水补土可以比罐装耐用好几倍。

喷水补土前，首先确认切割－组合－粘接－填补－打磨的前期工序已经全部完工，
把所有的零件归整在一起，检查一遍，难以整体喷涂的组合零件要重新分拆开来，在零件粘合和上补土填缝时就因该注意，难以整体喷涂的零件绝对不要粘合起来。

第一种有空隙或缝隙的零件，用牙签叉入并用胶布固定。

第二种没有空隙或缝隙的零件，用夹子固定。注意不要夹住喷涂部位。

第三种特别细小的部件，用粘性不是很强的双面胶固定在厚纸板上，并标上记号。

上水补土时，要有整体意识，厚度要均匀。

不要吝啬零件的原有颜色，不管本色是红的蓝的黄的，一律完全覆盖。

高达模型中本色是白色的零件比较多，这样用白色的喷不地(水补土)往往分辨不出到底喷了多少量。所以制作高达模型时，有可能的话尽量采用灰色的水补土来覆盖。

手办教程

田育成Sculpture Design Workroom — Fri, 16 May 2008 15:52:08 +0800

手办教程

　　首先带大家参观一下树脂模型手版的生产车间，看看工人师傅们怎样将大师们的艺术品变成我们手中栩栩如生的玩偶的。

　　左图所示是大块模具的制作工艺，右图所示是精细零件的制作工艺。

雕塑的种类与形式

田育成Sculpture Design Workroom — Wed, 14 May 2008 15:41:10 +0800

雕塑的种类与形式

作者：佚名

雕塑的表现形式一般分为两种：圆雕和浮雕。

一、圆雕

　　所谓圆雕就是指非压缩的，可以多方位、多角度欣赏的三维立体雕塑。手法与形式也多种多样，有写实性的与装饰性的，也有具体的与抽象的，户内与户外的，架上的与大型城雕，着色的与非着色的等；雕塑内容与题材也是丰富多彩，可以是人物，也可以是动物，甚至于静物；材质上更是多彩多姿，有石质、木质、金属、泥塑、纺织物、纸张、植物、橡胶等等。

圆雕作为雕塑的造型手法之一，应用范围极广，也是老百姓最常见的一种雕塑形式，本书将重点讲述关于人像圆雕的雕塑技法。

二、浮雕

所谓浮雕是雕塑与绘画结合的产物，用压缩的办法来处理对象，靠透视等因素来表现三维空间，并只供一面或两面观看。浮雕一般是附属在另一平面上的，因此在建筑上使用更多，用具器物上也经常可以看到。由于其压缩的特性，所占空间较小，所以适用于多种环境的装饰。近年来，它在城市美化环境中占了越来越重要的地位。浮雕在内容、形式和材质上与圆雕一样丰富多彩。

　　它主要有神龛式、高浮雕、浅浮雕、线刻、镂空式等几种形式。

　　我国古代的石窟雕塑可归结为神龛雕塑，根据造型手法的不同，又可分为写实性、装饰性和抽象性；

　　高浮雕是指压缩小，起伏大，接近圆雕，甚至半圆雕的一种形式，这种浮雕明暗对比强烈，视觉效果突出；

　　浅浮雕压缩大，起伏小，它既保持了一种建筑式的平面性，又具有一定的体量感和起伏感；

　　线刻是绘画与雕塑的结合，它靠光影产生，以光代笔，甚至有一些微妙的起伏，给人一种淡雅含蓄的感觉；

　　镂空雕是把所谓的浮雕的底板去掉，从而产生一种变化多端的负空间，并使负空间与正空间的轮廓线有一种相互转换的节奏。这种手法过去常用于门窗栏杆家具上，有的可供两面观赏。

　　它主要有神龛式、高浮雕、浅浮雕、线刻、镂空式等几种形式。

　　我国古代的石窟雕塑可归结为神龛雕塑，根据造型手法的不同，又可分为写实性、装饰性和抽象性；

　　高浮雕是指压缩小，起伏大，接近圆雕，甚至半圆雕的一种形式，这种浮雕明暗对比强烈，视觉效果突出；

　　浅浮雕压缩大，起伏小，它既保持了一种建筑式的平面性，又具有一定的体量感和起伏感；

　　线刻是绘画与雕塑的结合，它靠光影产生，以光代笔，甚至有一些微妙的起伏，给人一种淡雅含蓄的感觉；

谁说艺术家是疯子？

田育成Sculpture Design Workroom — Mon, 17 Mar 2008 20:31:06 +0800

有人说艺术家要有艺术家的气质．
可是什么是艺术家的气质呢？
是穿的很随便？留着长头发？
满身都是颜料？还是象梵高一样煮松节油吃
或是割了自己的耳朵？
这
只是艺术家的一种气质
并不是艺术家的定义

谁说留得头发越长就一定造诣越深
或许因为他想省钱就懒得去剪
谁说满身颜料就一定涵养很高
或许因为邋遢的习惯而不想去洗

有人说学艺术的肯定长的很有个性
那么是不是头发要染成盆景色？
还是一定要这穿个洞那打个孔？
衣服要布满颜料，脱下来还得站的住？

其实我挺喜欢把自己身体当作艺术品的做法
行为艺术！觉得好看就上
70年代后的艺术就应该更多的展现自我
所以不要以为长的斯文象商人的人就不会是有名的画家
更不要把学艺术的定义成疯子

艺术家之所以疯狂
是因为他们极其投入于他们所热爱的事业
忘记了周围的一切

艺术家的气质不是表面的装扮
而是由内而外散发的投入和热情

关于石河子

田育成Sculpture Design Workroom — Sun, 16 Mar 2008 16:40:59 +0800

关于新疆...关于石河子...

2008年02月28日星期四 23:07

我今天玩舞街区的时候认识了一个哥哥...

是湖南人....没到过我们新疆来....

很大多数内地人一样...

对新疆的认识仍停留在过去....

新疆那都是的风沙很大吧````

新疆人都是少数民族吧```

新疆人都信真主教吧```

新疆那都是沙漠吧```

。。。。。。。

像这样的谬论已经在内地人的潜意识中给新疆拷上了一个坚实的枷锁```

我感到很无奈...很仓皇...甚至有些气愤~!

同是一个中国.....难道我们新疆就该被设定在解放前的年代?!

吼吼~!新疆怎么了~````新疆照样很好啊~! . . 不是像内地人思维定势的这样子的`` . 石河子~!更不是~! . . 我把今天我们的对话给大家看看... 不是说那个哥哥怎么样.... 我们今天只论事~! 我想大多数非新疆人都是这么想的... (G代表那个哥哥,X代表我) . G:石河子在哪啊? X:新疆。 G：新疆是不是都是沙漠啊？ X：不是啊。。。要是那样...怎么住人啊？！ G：哦。那新疆是不是风沙很大啊？ X：不是啊...拜托~```我们这儿是城市... G：和内地的城市一样吗？ X：恩...一样。（废话~！要不咋叫城市```） G：哦。你是什么民族的？ X：汉族。（你以为呢~~？） G：？？？新疆有有汉族？？？ X：（无奈啊无奈~~）恩。 G：哦。我还以为新疆都是少数民族呢.. X：（我想撞墙...）不是啊。石河子的汉族比较多.... G：哦。那你是真主教的吗？ X：不是的。我不是教徒。。。（我晕...咋那么郁闷捏....） G：哦。 X：石河子被誉为“戈壁明珠”。 G：那有很多树吗？ X：（我极其的郁闷）恩。有很多树啊... 而且空气很好。 G：哦。（我的天...我要好好教育他....） X：石河子曾经被联合国授予最适合人类居住的地区。 G：哈哈哈...就那？还人居城市？（我可以理解为不相信以及嘲笑....） X：是啊~！（有点火大...）你不要听别人瞎说好不好？！ G：我没有听别人瞎说，只是印象中是这样的.... X：。。。。。。。 . 我这才反应过来，不只一个人这样问了。。。 在大多数内地人的印象中.... “新疆”就是沙漠的代言词.. “新疆”就是贫穷的代言词.. 我能去改变多少人对新疆的看法呢``？ 唉~``除了无奈还是无奈~`` 希望大家看了我这篇日志能对新疆，对石河子有些了解.. . . 联合国教科文组织授予的最适合人类居住的城市——新疆石河子市 . . 位于新疆北部的石河子 . 有小上海之稱 曾被聯戶國授予最適閤人類居住地區 .
到處綠樹成阴 著名诗人艾青曾这样赞美她： “我到过很多地方 数这个城市最年轻她是这样漂亮 令人一见倾心不是瀚海蜃楼 不是蓬莱仙境她的一草一木 都是血汗凝成” -------- 艾青

以下便是石河子的圖片

你们好好看看~！

这只是石河子的一小部分~！

不管怎么说。。。

新疆石河子都是养我育我的土地，

以后即便去内地工作，

我也会很自豪的告诉那些人：

“我是新疆人~！” . . 路过的人。。。帮忙顶顶。。。 顺便发表一下自己的看法！

传统.发现.创造 ——雕塑创作体会点滴

田育成Sculpture Design Workroom — Sat, 15 Mar 2008 21:56:58 +0800

传统.发现.创造 ——雕塑创作体会点滴
　叶毓山

处于时代迅速变革的今天，艺术面临多种选择。雕塑艺术正以它独特而鲜明的形式特性，展现出空前丰富的主题内容、精神气质、形式结构和审美心态。它在城市环境、庭园美化、纪念叙事、装饰环境、室内陈设等各方面，已越来越多地被人们所重视和采纳。而这一艺术形式正以它那多样探索、占据空间、衔接环境的造型实体，从有限中获取无限，这正是当代雕塑生命力的所在。

　　被称为石头的历史、文化的见证的雕塑艺术，经历了它那古老漫长演进的道路，至今已展现和开拓了全新的空间。艺术家意境的创造，是通过对客观景象和一定的事物，作为主观情思的象征，是艺术处理后的再现，这是我国传统艺术注重表现的一大特点。雕塑创作何尝不是如此，体积安排、高低错落、空间处理等，都是运用雕塑语言创造出一种意境。在自然中获得启迪，在自然中寻求妙语，悬崖峭壁、山泉深涧、江岸奇峰、滩头巨石、透天洞孔等大自然的造化，不就是永恒的纪念碑！古人说“因心造境，以手运心”，客观自然在主观的体现中又回到一种自然。

　　当巨大的花岗石进行最初阶段的加工时，训练有素的石雕师傅根据作者提供的石膏模型大刀阔斧打出粗型，有时可能出现偶然的特殊效果，正是一种自然美的体现。它没有故意雕琢的痕迹，而是一些石块崩裂后自然显现的体和面，以及那“随意”而成的锉痕的美，这就会弥补最初泥塑以及石膏模型的某些不足。根据石料的原形和尺寸大小，进行形象的创造，也同样会有那种自然美，那是石头整体的体积和粗糙断面所出现的特殊效果。

　　对雕刻家来讲，最重要的是发现它。同时，在石刻的过程中，不失时机的适可而止，善于把握。不然，那种因雕琢过头而出现的遗憾使会由此而生，让人后悔莫及。

　　各门类艺术之间总是互相影响和互相渗透的。唐代大书法家张旭见公孙大娘舞剑而悟笔法，大画家吴道子请裴将军挥剑一曲，“走马入飞，左旋右转，掷剑入云，高数十丈，若电光下射”，于是吴道“挥毫图壁，飒然风起，为天下之壮观”。可见节奏、韵律、秩序、和谐在艺术的表现中所起的重要作用。艺术品之感人和被历史所承认而存在下来，正是那无限的生命力，这生命力通过作品的节奏、韵律、秩序、和谐表现出来，正是我们所苦心探求的目的。

　　在谈到比例、节奏这一类问题时，亚里士多德曾说：“美依靠体积与安排。”赫拉克利特认为“和谐在于对立的统一”。就雕塑的体积语言而论，从下面的对比可以看到：强——弱；明——暗；繁——简；直——曲；实体——空洞；粗糙——光滑；大体块——小转折。这些，均体现着一种辨证关系，休而产生一种节奏、韵律、音乐感以至达到其最高度——活的生命力而感人至深。

　　艺术作品的差异与作者的艺术素养和生活积累的不同有必然的联系，而艺术家的责任应是不断的追求、探索、创新，同时必须把握一种立足于现实，能够振奋一代人的民族的审美特征。它不是庸浅的乐观，也不是冷漠的徘徊，而是永不停息地进取，在进取中获得美的光焰，从而让人们从中受到陶冶。

中国雕塑市场将打破不温不火格局

田育成Sculpture Design Workroom — Sat, 15 Mar 2008 21:44:29 +0800

中国雕塑市场将打破不温不火格局

上海证券报

展望雕塑作品

隋建国《衣钵》

　　毫无疑问，绘画作品一直是国内艺术品市场中最“吃香”的交易种类。但是与绘画具有几乎相同发展历史的雕塑作品的行情却长期处于“不温不火”的况态。从1991年澳大利亚人华莱士在北京创立红门画廊开始，至今仅北京地区的画廊约有400家。但是仔细统计下来，几乎没有一家画廊专门以经营雕塑作为“主打”产品。

　　而从“二级市场”拍卖行来看，从1993年中国首家艺术品拍卖公司上海朵云轩成立至今，没有一家拍卖公司曾经推出过“雕塑专场”拍卖。虽然1995年中国嘉德拍卖公司率先在国内设置“中国油画及雕塑”专场，1997年上海朵云轩开设了“西画雕塑”专场，但这个时期由于雕塑作品的上拍数量极少，加之藏家对雕塑作品关注度不够，所以整体行情比较低迷。目前，雕塑作品往往与油画放在一个场次中进行拍卖，这使得雕塑作品没能成为一个独立的拍品种类进行交易，也间接使得雕塑品无法形成真正意义上的整体行情。

　　不过，雕塑作品这种“温火煲汤”的行情在2003年之后才有所改观，这与中国艺术品自身发展状况有着必然的联系。2003年之后，艺术品市场中拍卖公司的数量激增，开始有了更多的拍卖公司，如北京华辰、北京翰海、北京保利、北京匡时开设“油画及雕塑专场”，雕塑品的上拍数量有所增长，部分雕塑名家的作品价格开始有上扬的迹象。同时，随着近年来画廊自身的发展需要，有越来越多的画廊把目光转向了对雕塑作品的关注，很多画廊开始组织专门的雕塑展览，这在一定程度上对雕塑作品的收藏也起到了推波助澜的作用。此外，大型的艺术博览会中也出现了不少的雕塑作品，偶尔也有高价成交的作品出现，例如在2007年艺术北京博览会上，雕塑家陈文令的一件雕塑作品就以400多万元的价格被国内藏家收入囊中。

　　目前，中国当代雕塑作品的行情尚处于“个人英雄主义”时代，虽然整体行情有待发展，但一些艺术家的作品行情却颇为乐观。2003年后，隋建国、展望、向京、蔡志松、瞿广慈以及台湾地区艺术家朱铭的作品拍卖价格出现了明显的上涨，尤其是2007年这些雕塑家纷纷刷新各自作品的成交纪录。

　　隋建国是中国最重要的当代艺术家之一，也是在观念主义方向上走得最远的中国雕塑家。在整整二十年的时间中，他的工作既具有个人实验的意义，也由于他的特殊地位和影响，在某种程度上成为中国雕塑界在时代巨变过程中的一种标识。

　　隋建国的艺术经历了现代主义（1987-1989）、材料观念主义（1990-1996）和视觉文化研究（1997-2007）三个时期：第一时期逢20世纪中国80年代现代艺术运动的高潮期，这一时期他以《平衡》、《失重》和《卫生肖像》三个系列为代表，突出了运用各种现代主义雕塑语言进行“自我”、“生命意义”的哲理陈述和反省。90年代初，随着中国文化转型期的到来，他调整了自己的艺术问题与方向，开始把本土性的材料实验与观念主义的创作方法有机融入工作，代表作品有《地罣》、《闭锁记忆》、《沉积的记忆系列》、《碑林》（1993）、1996年的《殛》。同时，隋建国以1997年的《衣钵》（《中山装》）和1999年的《中国制造》（《恐龙》）为标志，真正将自己的艺术推进到一个无法用“雕塑”限定的疆域。这一突变过程也使他完成了由一个优秀的雕塑家向一个杰出的当代艺术家的身份转换。

　　隋建国雕塑作品的价格在2004年之前没有启动，2004年之后作品的价格开始上涨。目前隋建国上拍34件，成交27件，成交率为79%。最高价格是2007年纽约苏富比拍出的《衣钵》（2000年作）成交价格为224.6万元。目前隋建国已有三件作品突破百万元大关。

　　与此同时，20世纪90年代以来，展望以空心中山装、不锈钢假山石、浮石等一系列观念雕塑作品，逐渐进入公众视野，成为走向世界的观念雕塑与综合艺术的实验者。他的作品在意大利、法国、日本、新加坡、新西兰均有展出。前不久，美国纽约大都会艺术博物馆收藏了展望的一个不锈钢假山石作品，这是大都会艺术博物馆收藏的第一件中国当代艺术作品。

　　隋建国雕塑作品历年拍卖成交价格前10名

　　排名名称估价(RMB)成交价拍卖公司拍卖日期

　　（RMB)

　　12000年作《衣钵》936，000 - 1，404，0002，246，400纽约苏富比2007-3-21

　　21997年作《衣钵》992，400 - 1，405，9001，190，880纽约苏富比2006-9-20

　　3《中山装》（共两件） 265，000 - 371，000992，160 香港佳士得2006-5-28

　　4《马克思在中国》250，000 - 350，000918，400 匡时国际2007-12-1

　　52005年作《彩虹衣钵》 165，400 - 248，100793，920 纽约苏富比2006-3-30

　　62003年作《衣纹研究—右手》380，000 - 600，000448，000 上海天衡2007-12-12

　　7《互动结构》59，400 - 99，000415，800 香港佳士得2007-5-27

　　8《毛夹克》127，200 - 190，800381，600 香港佳士得2005-5-29

　　9《衣钵》160，000 - 240，000324，000 南京经典2006-9-29

　　102001年作《中山装》 114，900 - 183，900311，520 景薰楼2007-12-16

解读亨利·摩尔及他的雕塑作品

田育成Sculpture Design Workroom — Thu, 28 Feb 2008 20:04:35 +0800

解读亨利·摩尔及他的雕塑作品

作者：王端廷　　

1969年的亨利·摩尔

    亨利·摩尔（HenryMoore，1898—1986）曾先后进入利兹美术学校和伦敦皇家美术学院学习，严格的学院派训练使他获得了扎实的雕塑基本功，但真正影响他艺术观念的却是大英博物馆里的埃特鲁利亚、前哥伦布时期的美洲和非洲黑人的雕塑以及当时英国艺术理想家罗杰·弗莱、克莱夫·贝尔等人的美学思想。摩尔把原始艺术对人的生命的热烈追求和表现形式的率真质朴，与现代艺术反对模仿、摒弃再现以及追求形式本身的独立价值的观念结合起来，走上了一条既保持西方传统艺术精神，又具有现代审美品格的艺术之路。

    他要表达的永远是一种对生命的温和亲情传统文化基因在摩尔身上的遗传体现在他对人本主义的坚持，落实到雕塑上就是始终将人像作为他作品的中心题材。摩尔说：“我并不认为我们将会脱离以往所有雕塑的基本立足点，那就是人。就我而言，我需要的是组成人像的因素———从这个意义上说，我的作品是具象的。”除了少数雕刻着狗、蛇和绵羊等动物形象的作品之外，摩尔的绝大部分作品都雕刻的是人像。1924年，摩尔模仿前哥伦布时期的印第安雕塑风格创作了第一件《母与子》雕像，此后，母与子形象便以各种姿态反复出现在摩尔的雕塑作品中，成为他毕生的保留母题。

    自新石器时代开始，母与子组合群像就成为人类艺术的表现对象，这是一个永恒而崇高的爱的主题。在基督传统中，一幅没有标注具体姓名的母子图通常可以作为“圣母子”形象来解读。事实上，摩尔在1943—1944年应邀为英国北安普顿郡的圣马太教堂创作了一件名副其实的《圣母子》雕像，这件作品使摩尔的一系列母与子雕像所表达的母爱获得了神圣的升华。

    1926年，受墨西哥玛雅文化托尔特克神庙门口一尊名为“恰克—莫尔”（ChacMool）神像的启发，摩尔创作了《斜倚的人像》石雕像。

    从此，这一人像成为摩尔整个艺术创作历程中又一代表性形体。其实在欧洲艺术史上，自古希腊开始，无论是男人像还是女人像采取斜倚造型的雕塑很多，在绘画中更是比比可见。这一姿态可以称得上是欧洲美术中的经典造型。摩尔采用这个形象作为表达各种寓意、探索雕塑语言以及研究各种材料性能的依托。几乎可以说，摩尔以后许多作品都属于这一作品的变体。

    除了作品的寓意表达之外，从学艺之始，摩尔就对“适合于他观念”的题材、材料和技巧等课题极其重视。正如现代画坛所流行的那句口头禅———“画什么并不重要，怎样画才是最重要的”。作为一个现代雕塑家，摩尔的艺术观念也与现代主义运动的大潮流并行不悖。

    像布朗库西、阿尔基本科等现代雕塑先驱一样，摩尔在其早期创作中也采用了“直接雕刻法”。实际上，摩尔对原始雕刻的兴趣主要归因于它的材料与形体的完美结合所生发的魅力的吸引。1941年，摩尔在一篇文章中写道：“当我一发现墨西哥雕刻时，在我看来它正是既切合又对头。……它有石感———我的意思是指：它切合于材料，它有巨大的力量而无损于它的敏感性，在形的创造上它的花样繁多而孕育力强大，我认为这些使它不可能为任何时期的雕刻所超越。”除了石雕之外，摩尔的早期作品中还有许多树种的木雕。虽然这些用“直接雕刻法”创作的石雕和木雕作品的尺寸不大，但都具有一种内在的力量，在表达出各种象征意象的同时，亦充分发挥了各种材料的固有特性。

    摩尔是超现实主义的同代人，二、三十年代对巴黎的多次访问以及与超现实主义者的接触，使他的艺术风格受到超现实主义思潮的影响。摩尔参与了“英国超现实主义集团”的建立，并且作为组委会成员参加了1936年在伦敦举办的“国际超现实主义展览”。毫无疑问，超现实主义给了摩尔有益的营养，对他的个性化风格的形成起了巨大的催化作用，但因此将摩尔划入超现实主义阵营却是不恰当的。事实上，超现实主义艺术那种非理性的狂乱错位的造形处理及其对潜意识的死亡恶构的揭示始终是摩尔所拒绝的。说到底，摩尔只是采用了超现实主义的抽象变形手法，他要表达的永远是一种对生命的温和亲情。

    他是把孔洞技术运用得最成功最完美的雕塑家30年代是摩尔进行多种探索并使自己的艺术和思想走向成熟、开始获得声望的时期。1932年，摩尔首次在自己的人像雕刻中采用了打洞形式。给人像打洞虽然并不是摩尔的首创，在西方现代雕塑史上有阿尔基本科、利普奇茨、杜尚一维雍和扎德金等雕塑家在他前后运用了孔洞技术，但摩尔是把这项带有超现实主义意味的技术运用得最为成功最为完美的雕塑家。孔洞的运用打破了“雕塑是被空间所包围着的实体”这样一个西方传统雕塑的固有概念，让空间穿透雕塑，使空间成为实体的一部分，让雕塑与空间融为一体。摩尔本人宣称，人像身上的孔洞具有神秘的力量，“空间的神秘性与那些在山背和悬崖上具有不可思议的力量的岩洞是一样的”。而按神学家的解释，这种带孔洞的人像却另有深义。神学家认为“上帝是人的完整性的唯一保证”，摩尔的带有孔洞而不完整的人像正是“上帝死了”之后人类生命的写照。从空虚角度来看，摩尔的人体雕刻与毕加索的支离破碎的人体绘画在精神含义上是完全相同的。无论如何，孔洞已经变成了摩尔的商标，是他的雕塑生发出奇异魅力的重要因素。

    对环境雕塑的成功实践确立了他至高无上的地位从1935年开始，摩尔有意识地将自然风景与雕塑作为一个整体来构思，致力于环境雕塑的探索。让雕塑从架上走到架下，从人造空间走向自然环境是摩尔最伟大的创造，正是由于对环境雕塑的成功实践才确立了摩尔在现代雕塑上至高无上的地位。摩尔不仅考虑到雕塑的造形与环境包括山坡、田野、森林和建筑物的协调，而且将水色天光、蓝天白云也作为作品的组成部分来看待。他的那些安置在大自然中的斜倚的人体不仅与山峦沟壑有着外形上的相似，而且有着大山般沉雄巍峨的气势和力量。不仅如此，摩尔还将色彩引入到他的雕塑中，也就是说，摩尔的雕塑是有色彩的。他考虑到了阳光的存在及其方向因素。那些打磨得光滑圆润的青铜雕塑在阳光的照耀下熠熠闪光，尤其是在层林尽染的秋天的森林和原野上，迸发出强烈的动人心魂的美。

    为了达到与环境色彩的协调和谐，摩尔还曾采用化学腐蚀剂为他的一些安置在常绿森林的雕像披上一件由绿锈构成的外衣。他的那些白色、红色和绿色大理石雕像，其材料的质地和色彩也都是因地制宜、与周围环境和谐呼应的。

    他的作品比具象作品更有力地表现了动物的生气摩尔说：“对我而言，一件作品首先必须具有其自身的生动性，我不是指生活之生命力的反映，也不是指运动、身体的活动、跳跃、舞蹈等等的活力，而是说一件作品应该具备内在的能量，有它自身强烈的生命力，这些并不从属于它所再现的对象。”摩尔倾心于抽象造形，但他始终与几何抽象保持着距离。他追求的是一种有机的生物态抽象。除了人体之外，摩尔喜欢从骨骼、贝壳、树根和卵形等生物形体中寻找抽象造形的依据。因此，他的作品不论如何接近抽象，却比某些较具象的作品远为有力地表现了一种动物的生气。摩尔那些安置在蓝天白云之下的雕塑作品，就像是自己从大地中生长出来的生物，洋溢着与整个大自然息息相通的生命气息。

    终其一生，摩尔一直没有偏离对生命的关注，通过那些富有生命力的象征形体，摩尔谱写了一曲曲人类与大自然生生不息的颂歌。
    亨利·摩尔（HenryMoore，1898—1986）曾先后进入利兹美术学校和伦敦皇家美术学院学习，严格的学院派训练使他获得了扎实的雕塑基本功，但真正影响他艺术观念的却是大英博物馆里的埃特鲁利亚、前哥伦布时期的美洲和非洲黑人的雕塑以及当时英国艺术理想家罗杰·弗莱、克莱夫·贝尔等人的美学思想。摩尔把原始艺术对人的生命的热烈追求和表现形式的率真质朴，与现代艺术反对模仿、摒弃再现以及追求形式本身的独立价值的观念结合起来，走上了一条既保持西方传统艺术精神，又具有现代审美品格的艺术之路。

    他要表达的永远是一种对生命的温和亲情传统文化基因在摩尔身上的遗传体现在他对人本主义的坚持，落实到雕塑上就是始终将人像作为他作品的中心题材。摩尔说：“我并不认为我们将会脱离以往所有雕塑的基本立足点，那就是人。就我而言，我需要的是组成人像的因素———从这个意义上说，我的作品是具象的。”除了少数雕刻着狗、蛇和绵羊等动物形象的作品之外，摩尔的绝大部分作品都雕刻的是人像。1924年，摩尔模仿前哥伦布时期的印第安雕塑风格创作了第一件《母与子》雕像，此后，母与子形象便以各种姿态反复出现在摩尔的雕塑作品中，成为他毕生的保留母题。

    自新石器时代开始，母与子组合群像就成为人类艺术的表现对象，这是一个永恒而崇高的爱的主题。在基督传统中，一幅没有标注具体姓名的母子图通常可以作为“圣母子”形象来解读。事实上，摩尔在1943—1944年应邀为英国北安普顿郡的圣马太教堂创作了一件名副其实的《圣母子》雕像，这件作品使摩尔的一系列母与子雕像所表达的母爱获得了神圣的升华。

    1926年，受墨西哥玛雅文化托尔特克神庙门口一尊名为“恰克—莫尔”（ChacMool）神像的启发，摩尔创作了《斜倚的人像》石雕像。

    从此，这一人像成为摩尔整个艺术创作历程中又一代表性形体。其实在欧洲艺术史上，自古希腊开始，无论是男人像还是女人像采取斜倚造型的雕塑很多，在绘画中更是比比可见。这一姿态可以称得上是欧洲美术中的经典造型。摩尔采用这个形象作为表达各种寓意、探索雕塑语言以及研究各种材料性能的依托。几乎可以说，摩尔以后许多作品都属于这一作品的变体。

    除了作品的寓意表达之外，从学艺之始，摩尔就对“适合于他观念”的题材、材料和技巧等课题极其重视。正如现代画坛所流行的那句口头禅———“画什么并不重要，怎样画才是最重要的”。作为一个现代雕塑家，摩尔的艺术观念也与现代主义运动的大潮流并行不悖。

    像布朗库西、阿尔基本科等现代雕塑先驱一样，摩尔在其早期创作中也采用了“直接雕刻法”。实际上，摩尔对原始雕刻的兴趣主要归因于它的材料与形体的完美结合所生发的魅力的吸引。1941年，摩尔在一篇文章中写道：“当我一发现墨西哥雕刻时，在我看来它正是既切合又对头。……它有石感———我的意思是指：它切合于材料，它有巨大的力量而无损于它的敏感性，在形的创造上它的花样繁多而孕育力强大，我认为这些使它不可能为任何时期的雕刻所超越。”除了石雕之外，摩尔的早期作品中还有许多树种的木雕。虽然这些用“直接雕刻法”创作的石雕和木雕作品的尺寸不大，但都具有一种内在的力量，在表达出各种象征意象的同时，亦充分发挥了各种材料的固有特性。

    摩尔是超现实主义的同代人，二、三十年代对巴黎的多次访问以及与超现实主义者的接触，使他的艺术风格受到超现实主义思潮的影响。摩尔参与了“英国超现实主义集团”的建立，并且作为组委会成员参加了1936年在伦敦举办的“国际超现实主义展览”。毫无疑问，超现实主义给了摩尔有益的营养，对他的个性化风格的形成起了巨大的催化作用，但因此将摩尔划入超现实主义阵营却是不恰当的。事实上，超现实主义艺术那种非理性的狂乱错位的造形处理及其对潜意识的死亡恶构的揭示始终是摩尔所拒绝的。说到底，摩尔只是采用了超现实主义的抽象变形手法，他要表达的永远是一种对生命的温和亲情。

    他是把孔洞技术运用得最成功最完美的雕塑家30年代是摩尔进行多种探索并使自己的艺术和思想走向成熟、开始获得声望的时期。1932年，摩尔首次在自己的人像雕刻中采用了打洞形式。给人像打洞虽然并不是摩尔的首创，在西方现代雕塑史上有阿尔基本科、利普奇茨、杜尚一维雍和扎德金等雕塑家在他前后运用了孔洞技术，但摩尔是把这项带有超现实主义意味的技术运用得最为成功最为完美的雕塑家。孔洞的运用打破了“雕塑是被空间所包围着的实体”这样一个西方传统雕塑的固有概念，让空间穿透雕塑，使空间成为实体的一部分，让雕塑与空间融为一体。摩尔本人宣称，人像身上的孔洞具有神秘的力量，“空间的神秘性与那些在山背和悬崖上具有不可思议的力量的岩洞是一样的”。而按神学家的解释，这种带孔洞的人像却另有深义。神学家认为“上帝是人的完整性的唯一保证”，摩尔的带有孔洞而不完整的人像正是“上帝死了”之后人类生命的写照。从空虚角度来看，摩尔的人体雕刻与毕加索的支离破碎的人体绘画在精神含义上是完全相同的。无论如何，孔洞已经变成了摩尔的商标，是他的雕塑生发出奇异魅力的重要因素。

    对环境雕塑的成功实践确立了他至高无上的地位从1935年开始，摩尔有意识地将自然风景与雕塑作为一个整体来构思，致力于环境雕塑的探索。让雕塑从架上走到架下，从人造空间走向自然环境是摩尔最伟大的创造，正是由于对环境雕塑的成功实践才确立了摩尔在现代雕塑上至高无上的地位。摩尔不仅考虑到雕塑的造形与环境包括山坡、田野、森林和建筑物的协调，而且将水色天光、蓝天白云也作为作品的组成部分来看待。他的那些安置在大自然中的斜倚的人体不仅与山峦沟壑有着外形上的相似，而且有着大山般沉雄巍峨的气势和力量。不仅如此，摩尔还将色彩引入到他的雕塑中，也就是说，摩尔的雕塑是有色彩的。他考虑到了阳光的存在及其方向因素。那些打磨得光滑圆润的青铜雕塑在阳光的照耀下熠熠闪光，尤其是在层林尽染的秋天的森林和原野上，迸发出强烈的动人心魂的美。

    为了达到与环境色彩的协调和谐，摩尔还曾采用化学腐蚀剂为他的一些安置在常绿森林的雕像披上一件由绿锈构成的外衣。他的那些白色、红色和绿色大理石雕像，其材料的质地和色彩也都是因地制宜、与周围环境和谐呼应的。

    他的作品比具象作品更有力地表现了动物的生气摩尔说：“对我而言，一件作品首先必须具有其自身的生动性，我不是指生活之生命力的反映，也不是指运动、身体的活动、跳跃、舞蹈等等的活力，而是说一件作品应该具备内在的能量，有它自身强烈的生命力，这些并不从属于它所再现的对象。”摩尔倾心于抽象造形，但他始终与几何抽象保持着距离。他追求的是一种有机的生物态抽象。除了人体之外，摩尔喜欢从骨骼、贝壳、树根和卵形等生物形体中寻找抽象造形的依据。因此，他的作品不论如何接近抽象，却比某些较具象的作品远为有力地表现了一种动物的生气。摩尔那些安置在蓝天白云之下的雕塑作品，就像是自己从大地中生长出来的生物，洋溢着与整个大自然息息相通的生命气息。

    终其一生，摩尔一直没有偏离对生命的关注，通过那些富有生命力的象征形体，摩尔谱写了一曲曲人类与大自然生生不息的颂歌。

雕塑名称：卧像

雕塑名称：立像

雕塑名称：立动力

雕塑名称：母与子坐像

雕塑名称：大型纺锤件

雕塑名称：卧像

五个轮子的车

田育成Sculpture Design Workroom — Mon, 11 Feb 2008 01:27:03 +0800

没水了，通往我们135团5连的自来水管主线冻上了，全连都断水了，当官的管事的都在为前程奔波顾不上管，08年大年初四我们全连职工为了吃水的问题到处奔波。

连队到团水管站有3公里中间要横穿201省道，路况不太好，团里的黑车再路上很不安分，连队父老要到水管站去拉水吃，使得一时间路上比往日更增添了几份喧嚣，可安全隐患很大。有车的开车带大桶去拉水，有钱的打面的去拉水，大多数老百姓蹬三轮拉水，也有不少用拉架子车拉水，用自行车驮水的，年轻的帮年老的带水。

我回家过年加入了拉水大军的行伍之中，骑着自制的五轮车拉水，所谓五轮车，就是在三轮脚蹋车后面再绑一辆手推架子车，把两辆车连在一起，算是加了个拖挂，这样可以多拉一点而切相对省力。虽然天气很冷，但拉水的路上到也不算寂寞，很多人被这浩浩荡荡的拉水景象吸引。

连队冬夏两季吃水难早也不是什么希奇事了，管道每一任连队主官上任都会修一下，只是从来没有真正解决过而已，所以每年冬天都会有一段时间连队职工都会因为水管上冻而有一段日子要在邻近的乡亲家挑水吃的，只不过今年尤其严重，主管线上冻使得问题变的更糟。

主管线上冻是从刚刚修好不久的201省道路基两边开始的，修路时把路基两边的管道表层覆土给铲薄了，职工向上反映，连队干部并没有引起足够重视。加上连队水网分布上有几个分叉处接口年前爆裂到处跑水，没人管，职工找连长找不到，找指导员找不见，找水管站人家也不管，干脆把问题推倒连队干部呢，向上级反映没人理。好一个“三不管”，把连队百十户职工弄的好可怜，这感觉就好像没娘的孩子一样，老百姓有怨言没人来听，自己动手修又没呢本事，挖开了接不好，只好扎住再埋上。接水的时候我问水管站的工作人员什么时间才能恢复通水，他们说你们连干部不管再冻一阵只有等开春管道化冻才能通水了，呢可要到四月中旬啊，这意味着将有两个半月连队职工要拉水过日子。

当官不为民做主，不如回家买红薯，官僚害人不浅呦~```

祝各位好友新年快乐

田育成Sculpture Design Workroom — Sat, 29 Dec 2007 22:31:28 +0800

新的一年就要来临~!祝愿我所有的朋友都能在新的一年中工作顺利!身体健康!合家欢乐!工资加薪!财源广进!事事顺心! 元旦的钟声送走充满回忆的一年;迎来...一年里,愿意你百尺竿头,更进一步,事业生活都获得胜利、成功。